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Hace poco recibí un correo que me dio mucho gusto. El correo era de un lector de este blog, básicamente dijo que le gustaba un poco cómo escribía, pero que tengo un pésimo gusto para las películas.
No pude negar mi gusto especial, pero me gustaría que diera referencias a películas que considere buenas. La mayor parte de este blog evita las películas en cartelera comercial, sí he escrito sobre algunas, pero lo hago cuando realmente me emociona una película, lo cual sucede raras veces. Si tengo que pagar por ir al cine, no voy a pagar por ver mugreros de películas.
De cualquier forma, agradezco el contacto, queda la invitación abierta para compartir una película y discutirla en los comentarios, o si lo prefieren, por email.

Les Infidèles / The Players / Los Infieles (2012)

A series of short films set around the theme of male infidelity / Una serie de cortometrajes basados en el tema de la infidelidad masculina.

No logra concretarse algo, definitivamente tendrá fallas. Quizá es la búsqueda de respuestas con tonos intelectuales lo que se espera ver en pantalla al tratarse temas de este tono, al no encontrarlas, más de uno puede resultar insultado. Aquí la infidelidad se muestra ejecutada por el sexo masculino, sin embargo, uno de los cortometrajes intenta colocarnos la idea de que no sólo es el hombre, dentro de una relación heterosexual, quien puede ser infiel, sino también, y, más interesante aún el hecho de que sea por los mismo motivos, la mujer. Si bien quiere colocar la idea como un ejercicio de análisis, puede resultar fallido el intento, puesto que la aclaración de la infidelidad casi como una institución dentro del contrato matrimonial, es innecesaria. A muchos nos queda claro que la infidelidad existe y que se da por ambas partes en todo tipo de relaciones, que algunas partes se vean más penalizadas que otras, es una cuestión de pobreza mental en nuestra sociedad. . 

El ejercicio -que viene a presentarse como una idea original de Jean Dujardin, a quien recordaremos como ganador del Óscar por su actuación en la película El Artista (2011), dirigida por Michel Hazanavicius, quien también participa como director en Les Infidèles- muestra no una batalla por la fidelidad, si no lo ridículo a lo que pueden llegar las partes. ALERTA DE SPOILER: Un ejemplo se da muy al inicio de la película. Después de haber tenido sexo con un par de chicas a quienes acababan de conocer en un bar, dos amigos se encuentran aseándose en el baño del hotel, cuando se escucha el cerrón de la puerta del cuarto donde se encuentran. Uno de los amigos señala “No me lo puedo creer, y ¿se han ido?”, refiriéndose a las chicas, a lo que el amigo contesta “Podían haberse despedido” Es un momento realmente ridículo el que después de toda la escena de sexo que cada uno tuvo con su cada cual, todavía esperaran una despedida. Es un instante que me sacó una risa algo forzada, pero lo logró. .

Otro de los cortometrajes, quizá el más logrado, se llama “Lolita” y aquí sí hay momentos en los que logramos ver un poco más la psicología del personaje, pero vuelve a cerrar con un tono que resulta insultante no sólo a los personajes, si no al espectador. Pero incluso así, logra retratarse alguna de las posibles situaciones en las que las parejas pudieran encontrarse alguna vez.

La película no fue bien recibida fuera de Francia, yo no creo que sea una película mala, ni que sean cortometrajes malos, hay algo y lo refleja. Es una película que un público adulto puede disfrutar con cierta facilidad, y si alguien, al interior de su persona ha encontrado una dualidad que le permite la atracción hacia el género del mismo sexo y al género del sexo opuesto, sin duda que le resultará más divertida. Los personajes no tienen tapujos, se muestran despreocupados, pero a su vez no, cínicos, en fin, si uno elimina tapujos antes de verla, podrá pasar un rato con reacciones interesantes, risa, estupefacción, sólo por mencionar algunos.

En lo personal  sí salí pensando en que la película falla, en que no me dice nada y que no hace más que retratar algunas situaciones de una manera ridícula y, a tantos, graciosa. Pero entre más pensaba en sus fallas, entre más pasaban los minutos después de haber  terminado la película, no pude dejar de pensar en ciertas escenas que me vuelven a provocar risa. Aquí es donde creo que la película ha logrado concretar algo, porque se mantiene en la memoria por un rato y se disfruta mucho que sea explícita y sin censura, siempre se agradece el cine con tonos claros, sin supuestos. Quizá los momentos que más disfruté fueron la terapia de Infieles Anónimos, el cierre de la película y el clip extra entre los créditos que forma parte de Infieles Anónimos. Así pues, estos “a ratos cortometrajes”, antología, película, realizada entre ocho directores, escrita entre cinco personas, con una colaboración directa entre dos grandes actores franceses, que se vuelven a prestar a la comedia, como lo son Jean Dujardin y Gilles Lellouche, merece una mirada. No serán carcajadas al estilo Hollywood, pero habrá risas. En realidad, me gusta la película, me dan ganas de verla de nuevo y estudiar a los personajes, por otro lado, seguiré un par de referencias que señalaron los dos realizadores y queda, por supuesto, la invitación para los lectores de este blog a que se acerquen a esas referencias que son la serie de televisión que sigo fielmente, Californication con David Duchovny, y la película de Dino Risi que aún no he visto, I Mostri (1963). La veré pronto y comentaré algo. 

Censura a la vista.

Cloud Atlas (2012)

En ocasiones me pregunto si todavía vale la pena ir al cine en estos tiempos de consumo, es realmente complicado por muchas razones, empezando porque no siempre el público es tan educado como se esperaría que fuera. Ser un espectador educado implica respetar tanto la película, como al resto de los que se encuentran en la sala. Las películas se deben ver en el cine, si la película es de especial atención, se busca una proyección a temprana hora y un día a la semana de poca gente, como el lunes; sin embargo, existen películas que, no sólo como experimento social, si no como un complemento de la experiencia cinéfila, merecen el registro de la película con una sala llena, pues nos refieren debates inmediatos, cuchicheos con incógnitas sobre lo que vemos en pantalla, además, hay algunas películas que ponen a prueba la resistencia de los asistentes porque abarcan la historia en algunas tres horas. Quizá lo más triste de la experiencia en el cine, en “estos tiempos” tiene que ver más con las fallas técnicas -deliberadas- a la hora de la proyección: esas ocasiones en que un cacho de la película, literalmente, sale por la parte superior e inferior de la pantalla, eso quiere decir que los formatos no coinciden. Es tarea del espectador hacer señalamiento de estas situaciones al gerente de los cines, sin importar que hagan caso omiso. 

Es bueno cuando las películas generan debates, pero cuando se genera un debate viciado, como sucede en torno a la última película Django Unchained (2012) de Quentin Tarantino, por sus tonos de violencia, o bien, por su tratamiento en torno a la esclavitud, me parece inútil cualquier debate. Habrá más debates con otras películas que están ya nominadas al Óscar. Creo que, de pronto, con ciertos argumentos en las películas que refieren tratamientos políticos muy precisos, se nos olvida que una película es una película, por eso se llama “ficción” y claro que hay pedazos extraídos de la realidad por parte de sus creadores. Algunos directores buscan estar tan cerca como se pueda de los hechos, pero sigue siendo ficción y siempre lo será. Nuestra percepción y la percepción de los otros será siempre distinta, así que necesitamos entender las películas como tal. El debate es excelente, pero no que se juzguen y se encuentre “culpable de todo cargo” a una película que refleja o busca retratar los actos del ser humano. Los seres humanos nos comportamos como bestias. Si realmente habría que juzgar, enjuiciar y para ello movilizarse, entorno a lo vivimos en nuestra realidad: violencia, manejo incorrecto de políticas sociales y económicas, etc., debería ser a las autoridades correspondientes (y también a nosotros mismo) y no a una película. No te gusta, no la veas. Pero que haces con un gobierno que no te gusta, cómo se “escapa” de eso, o es que ¿solo te sometes?

 CLOUD ATLAS (2012)

An exploration of how the actions of individual lives impact one another in the past, present and future, as one soul is shaped from a killer into a hero, and an act of kindness ripples across centuries to inspire a revolution / Una exploración de cómo las acciones de vidas individuales impactan a otras en el pasado, el presente y el futuro, como una sola alma se forma de un asesino en un héroe, y un acto de bondad ondea a través de los siglos para inspirar una revolución.

Creo que vi Cloud Atlas en el momento preciso que debía verla, tuve que pasar por un proceso de aceptación y limpieza de lo bueno y lo malo en cuanto a las críticas que había escuchado, y casi decido no ir a verla al cine. Aquí tengo que hacer paréntesis para comentar que habría sido un  error haber dado una primera visita a la película en casa, lo habría lamentado muchísimo, y los daños que esto habría generado a largo plazo en mi vida, serían  irreparables. Qué error más grande habría sido no ir a verla en el cine. No había sentido, literalmente, “nada”, en mucho tiempo. No había un "algo" que haya causado dejarme llevar y sentir emociones humanas a tal grado que podía verlas en la superficie, como un aura que desprendía de mí. Dicho de otra forma, no había tenido un revoltijo de emociones,  una detrás de otra y todas muy distintas entre ellas, en un lapso de tres horas. De lágrimas a risas; de desconcierto a acierto; empatía, coraje, desilusión, euforia, esperanza sobre el futuro de la humanidad, esperanza en el ser humano, o la afirmación de que, uno no es sin el otro, y, lo que haga tanto me afecta, como afecta al otro. Es un paquete completo. Es una película que nos recuerda, a muchos, la magia del cine y por qué seguimos visitándole. No lo puedo explicar, pero cuando la ves, puedes entender muchas cosas, claro, si no se hace una incisión y sólo nos dejammos llevar por los conectores o por los nodos que se vayan presentando, hay que dejarla que penetre sola, luego que salga, dejarla respirar. Sin duda, algunos preferirán o desearán varias revisiones para buscar un análisis. Pero pienso que si no se hace, es por demás disfrutable. Tengo ganas de verla de nuevo en pantalla grande, porque es para verse en cine. Hoy, prácticamente estuve sola, seleccioné una proyección a las dos de la tarde en este día lunes, apenas había otras dos almas, una parejita de veintitantos años. La sala era enorme, y debo señalar que agradezco que no nos hayan corrido y que se haya seleccionado la pantalla correcta para la proyección. En varios momentos de la película sentí las miradas de la parejita cerca de mí, pienso que no entendían por qué rompí en llanto, o por qué reía o por qué brincaba de mi asiento, o por qué suspiraba. Me gustaría verla de nuevo en el cine, esta vez con más gente en la sala para realizar un experimento social, pero no quiero arruinar el momento que aun tengo fresco, no quiero contaminar todo lo que me hizo sentir, una visita pronta me haría empezar a querer armar el rompecabezas, que, pensándolo bien realmente no hay. No es, como dicen algunos, que son seis argumentos distintos, por el contrario, es uno en donde los personajes se vuelven a encontrar en diferentes tiempos: pasado, presente y futuro. Creo que no puede haber nada más simple que eso. La sinopsis se respeta en un cien por ciento. No puedo comparar la película con la novela -que lleva el mismo nombre de la película- de David Mitchell, misma que fue inspirada en una pieza musical y en el estilo narrativo de otra novela, porque no he tenido la fortuna de encontrarme con el libro Cloud Atlas, o con el otro libro o haber escuchado la pieza musical, pero espero que todo se conjugue pronto y pueda hacerlo. Imagino que encontraré en la novela tonos más específicos en relación al desarrollo político. Por lo pronto quiero disfrutar de este momento lo más que se pueda. Es triste, pero no recuerdo que nada me haya hecho sentir tanto en sólo tres horas y creo que pasará algo de tiempo para que otra película provoque esto en mí. La verdad, no recuerdo haberlo sentido nunca.

Para aquellos buscando pensarla, buscando respuestas  o quieran encontrar coherencia o lógica, sugeriría resistencia. Se requiere cierto conocimiento para saber lo que estamos viendo, pero no es necesario analizarla demasiado para disfrutarla. Como amante del cine, prefiero esperar un poco para verla de nuevo y revisarla… quizá me gane la curiosidad. Contrario a lo que algunos críticos brillantes han señalado sobre la película como fallos, la falta de un solo plot, la orgía* de directores, la orgía de guionistas, la orgía de los actores, yo aplaudo todo esto, porque es precisamente el camino que apunta la película, no diferentes historias, si no tiempos entrelazados, y esta colaboración entre tres, los hermanos Wachowski  y Tom Tykwer, a la hora de desarrollar el guión -basados en la novela de David Mitchell-, y la dirección, es lo que hace que esta película funcione tan bien; son los detalles. Es excelente que los actores hayan abordado varios personajes. Cada segundo de Cloud Atlas funcionó para mí, música, dirección, guión, el maquillaje me pareció hermoso. En algunos momentos recordé mucho 2046 (2004) de Wong Kar Wai, no imagino por qué. (Je, je!) Creo que el único problema que tengo con la película es el trailer (explica demasiado) y me gustaría que la película no terminara, pues durante esas tres horas pude ver muchas cosas sobre nosotros, los humanos, que en este momento, como sociedad, no veo reflejados, estamos algo perdidos. Si todos vieran esta película, ¿habría un cambio en la sensibilidad del ser humano sobre lo que le rodea? Me gustaría que fuese así. Pero, de nuevo, ¿alguien más lee tan positiva la película como yo? La prueba es que no, la división generada alrededor de la película entre si es buena o no, es decir, si funciona o no, es prueba contundente de que cada quien ve las cosas como quiere, y esto se debe a la suma de eventos en la vida de cada persona. No creo que sea demasiado lo que aborda, al punto de agobiar al espectador, creo que aborda lo suficiente para querer ver más. Tampoco creo que sea, como leí en los apuntes de un crítico de cine, que sea una película intentando jugar con la mente del espectador; más que jugar, expone; si parece que expone muchas cosas es, porque, quizá, no nos hayamos cuestionado lo suficiente sobre la vida antes de la exposición con esta película, obviamente, sin que haya existido la necesidad de hacerlo por la película, como un fin. Aún así, si alguien busca analizar la película, podría recomendar hacerlo no de una forma lineal, si no viéndole como un mapa proyectado sobre una superficie, sería tan sencillo como generar un diagrama, o un mapa mental, donde una cosa conecta con la otra, o como un escaneo del cerebro, o como la representación del mapa del universo en Prometheus (2012). Más o menos eso ayudaría a entender la relación causa efecto del ser humano con su todo. 

Pero bueno, aquí están mis impresiones, mis arrebatos, prometí a alguien que escribiría algo sobre Cloud Atlas y ya está. No hay una disección o ensayo sobre la película, no soy tan lista o inteligente como para poder hacer un análisis exhaustivo con una primera visita -y tampoco es que lo quiera hacer-, pero dije que escribiría sobre ella. Para algunos será necesario hacer una disección, en tanto que buscarán justificar sus acciones, pues de pronto es difícil entender más allá de su realidad, puesto que tienen mucho que perder si es que ésta cambia. Debe quedarnos claro que la incapacidad de trasgredir, no debería implicar el desconocimiento de cosas como el arte. 

Creo que la recepción favorable que le he dado a Cloud Atlas se debe mucho al cariño que le tengo al cine, pero en particular a las historias, a los guiones, son estas películas que conjugan una producción tan hermosa, las causantes de mi cariño por el cine. Si no me había enamorado, lo estoy ahora. 

*Menciono orgía no como el placer por el acto sexual, si no en un intento por describir el placer que, desde mi perspectiva, se debe generar al trabajar en conjunto, buscando un mismo fin. En este caso, la película.

Actores

Desde hace tiempo buscaba hacer una lista de actores.

1.       Daniel Day-Lewis 
2.    Jack Nicholson
3.      Philip Seymour Hoffman 
4.      Paul Giamatti 
5.       Ralph Fiennes 
6.       Benedict Cumberbatch 
7.      Michael Fassbender 
8.      Christoph Waltz 
9.       Ewan McGregor 
10.    Vincent Cassel 
11.   Viggo Mortensen 
12.   Chiwetel Ejiofor
13.   Darío Grandinetti…
14.   Sean Penn…
15.   Robert Downey Jr. (antes de Iron Man)

16.   Mickey Rourke
17. Geoffrey Rush. . .

El año pasado escribí algo breve sobre Michael Fassbender y su trabajo en la película Shame. Fue una sorpresa ver cómo manejó o a su  personaje, fue muy interesante y muy atinado. Existía una ventaja importante con Fassbender en Shame y es la colaboración que ha mantenido con el director Steve McQueen. Me encanta este actor, me gustó mucho verlo como David en Prometheus (2012).

Antes de encontrar a Fassbender, a principios de 2011, me topé con la serie de televisión Sherlock, creada por Mark Gatiss -quien actúa también en Sherlock- y Steven Moffat, ambos crearon una productora de televisión que creó la serie para la BBC One. Los creadores de Sherlock se han manifestado con un amplio conocimiento sobre las historias de Conan Doyle. Antes de Sherlock trabajaron en llevar a la pantalla a Jekyll, haciendo una adaptación estilo secuela de la novela Strange Case of Dr. Jekyll and Mr Hyde. Sherlock la protagonizan  Benedictc Cumberbatch, como Sherlock Holmes y Martin Freeman, como  el Dr. John Watson… o hay que decir ¿BILBO BAGGINS? Para los fanáticos creo que la escena más hermosa es la de Bilbo con Gollum en The Hobbit: An Unexpected Journey. What have I got in my pocket?)

 

 

Las historias de Conan Doyle estuvieron conmigo muchos años, he visto muchas producciones con adaptaciones de Sherlock que no pasan de entretenidas, y cuando vi que había una nueva adaptación pensé que sería una decepción en términos del tratamiento, que sería otro de esos intentos de retratar al personaje y sus aventuras, las cuales terminabaría por hacer que sólo te interesara la resolución de los casos, dejando a un lado todas las posibilidades en cuestión de drama, además del no agregado suspenso, por lo tanto, el olvido completo de esas grandes aventuras, o bien, volver al recurso de exagerar los tonos cómicos del personaje y su camarada, así como la misoginia, o hacer que parezca un estudio de la misantropía del mismo; o que, quizá, sería un intento más de desdibujar al personaje, poniéndolo años luz del retrato tan cuidadoso que semantuvo en las historias originales, es decir, pulirlo hasta dejarlo como un personaje dócil, caballeroso y encantador. Pero obviamente, al ver la serie quedé, como muchos, atrapada, emocionada, excitada.  Ha sido una adaptación muy buena, con excelente dirección de fotografía. Pasarán otros tantos años para que vuelva a existir el Sherlock y el Watson, no un “creoque así es Sherlock y creo que así es Watson” Se ha dado un correcto tratamiento, una adaptación inteligente. Bravo. 

Benedict Cumberbatch

En sus primeros papeles para la televisión inglesa, Benedict Cumberbatch, mantuvo un perfil alto que lo llevó a ser rostro de los pasados Juegos Olímpicos de Londres 2012. Quizá algunos le recuerden por la película Atonment, en donde me pareció delicioso y no es que esté de acuerdo –aclaro- o aplauda la psyche del personaje que le tocó interpretar. Atonment es esta película de 2007, que en español el título quedó Expiación, deseo y pecado. Vaya suerte de orgía en los títulos de las películas en español. Parece que es una lotería y el primer título que salga, por más ridículo que suene, ese se queda. Las actuaciones de Cumberbatch incluyen, nada más y nada menos que a Stephen Hawking, en una producción de 2004 para la televisión; en la mini serie To the Ends of the Earth (2005), lo vemos como  Edmund Talbot, un aristócrata trepado en un barco de guerra británico con dirección a Australia. Luego está Paul Marshall,en Atonment de producción 2007 (habría deseado que los actores para los personajes principales fueran otros); William Carey en The Other Boylen Girl (2008); Luke Fitzwilliam en Marple: Murder is Easy, una producción también de 2008 paratelevisión basada en la novela de Agatha Christie; en 2010, fue Vincent VanGogh, en Van Gogh: Painted with Words, también para televisión. Luego fue The Creature / Victor Frankenstein en una producción en vivo de El Royal National Theatre of Great Britain. Su siguiente colaboración fue en la película TinkerTailor Soldier Spy (2011). Luego regresa a televisión con Parade’s End (2012), una mini serie interesante que retrata un triángulo amoroso,  situado alrededor de la Primera Guerra Mundial.

En general, las producciones en las que ha participado en televisión van desde buenas, hasta excelente. Hay varias películas en las que ya está enlistado, películas que espero con emoción: The Hobbit: The Desolation of Smaug; The Hobbit: There and Back Again, Twelve Years a Slave, del director Steve McQueen, película donde participarán Brad Pitt, Cumberbatch, Fassbender, Paul Giamatti y ¡hey! Chiwetel Ejiofor. No puedo estar más que desesperada por ver esta película. Si no me equivoco, será la primera colaboración entre Pitt, Cumberbatch y Fassbender. Hay otra película enlistada por la que tengo más curiosidad que ganas de verla, la cual es Star Trek Into Darkness (Star Trek fans, no me odien, sólo soy ignorante). Han hecho buen trabajo incluyendo a Cumberbatch en StarTrek, no sé cómo se dio ese negocio, pero ha sido atinado. . Luego… por ahí del año “aun no se sabe muy bien”, llegará The Man Who Sold The World, en donde será (creo que ya está confirmado, no es un rumor) nada más y nada menos que Julian Assange. Seguramente hay muchos, como yo,  que están complacidos. 

Cumberbatch será uno de esosactores que no olvidaremos con el paso de los años, aquellos que ya amamos el cine, le recordaremos siempre, hasta el fin de nuestros días, hasta el fin del cine, hasta el fin de las historias. Y para los fanáticos de los Beatles, estén atentos. 

To the Ends of the Earth (2005)

 Hawking (2004)

 Van Gogh: Painted with Words (2010)

 Marple: Murder Is Easy (2008)

Certified Copy (2011)

Letras para desempolvar las teclas: "... lo peor de todo es que que siempre regreso a lo mismo: el cine. Es como ir de compras, agarrar una prenda, dejarla, buscar entre mil más y regresar a la primera. Pareciera que no hay opciones."
He disfrutado en los últimos meses de eventos muy interesantes en la ciudad, desde un movimiento estudiantil, hasta lo que pareciera ser un grito por la cultura. Por alguna extraña razón todo me lleva en un recuerdo desesperado a Guanajuato (un sitio despreocupado) o a L.A. (un sitio que considero cínico e irracional), de ahí que regreso a la búsqueda de la felicidad que me provocan buenas historias narradas a través de la música y el cine. No tengo remedio. Hablar sobre cine me pone feliz.
"Sólo sé que no sé todo sobre cine", estoy agradecida con mi ignorancia por no saberlo todo; saberlo todo sobre cine me llevaría al suicidio. Me gusta descubrir, encontrarme con el cine sin llevar una relación forzada, precipitada. (Ahora que lo pienso, hay una ciudad con la que tengo una relación forzada y precipitada, estoy pensando que esto no funcionará nunca.) A veces me paniquea (del sustantivo pánico) que la gente se acerque a mí pensando que lo sé todo sobre cine, o que el cine es sobre lo único que pueden hablar conmigo, desafortunadamente, la mayor parte del tiempo es verdad, porque no sé cómo socializar con la gente, y hablar sobre cine resulta ser el perfecto rompe hielo. El cine es mi zona de confort.

Copie conforme / Certidied Copy (2010) - Abbas Kiarostami

In Tuscany to promote his latest book, a middle-aged British writer (William Shimell ) meets a French woman (Juliette Binoche) who leads him to the village of Lucignano. While there, a chance question reveals something deeper. / En la Toscana, para promover su último libro, el escritor de edad madura conoce a una francesa que lo lleva a la villa de Lucignano. Allí, una pregunta al azar revela algo más profundo.

El primer ejercicio que tuve que hacer con Certified Copy fue deshacerme de cualquier tratado que pudiese tener sobre los hombres "middle age" para seguir la historia. Estos personajes masculinos resultan realmente exquisitos; es decir, resulta muy fácil enamorarse de ellos, por lo tanto, resulta muy fácil seguirles la trama, son carismáticos por naturaleza. Kiarostami lo sabe y hace uso de este recurso al introducir a un escritor en un escenario donde presenta un libro que cuestiona el valor de las copias, frente a las piezas de arte originales. El libro lo presenta en la Toscana, y de inmediato, contrasta  con el personaje femenino (para seguir con el juego, si se quiere, inocente) al presentarnos a esta mujer un tanto dispersa, que quizá lleva una vida algo complicada, pero que, sin duda, puede resultar muy atractiva para el hombre "middle age", si se piensa que, estos solteros, siempre e indiscutiblemente, buscarán una relación de compañía con una mujer también "middle age". Dentro y fuera de la pantalla hay más de una historia tejiéndose, habría que mencionar la relación buscada por Juliette Binoche para trabajar con Abbas Kiarostami, del cual sería ésta, su primer película ficción filmada fuera de Irán, lo cual da mucho gusto. Mi primer acercamiento a Kiarostami fue con The White Balloon / El Globo Blanco de 1995, no recuerdo dónde me tocó ver la película, pero me pareció un trabajo lindo, me sorprendió la historia.

 Precaución, el trailer es pésimo.

Regresando a Copia Certificada, "Ella", la mujer, se ofrece llevar a este escritor en un paseo por la Toscana; entre que andar en carro viendo el paisaje del campo, ir a museos, pasear por las calles, tomar café por ahí, etc., nos perdemos en algún punto y la historia logra hacernos olvidar cualquier interés en las primeras conversaciones que mantiene esta pareja en relación al libro y cualquier cuestionamiento sobre el arte y la vida en general, vinculada a la misma idea del libro: si es válida una copia de arte frente a la original, en tanto que la primera tiene valor, puesto que tiene individualidad; y, de pronto, todo se torna en conversaciones que sugieren demás familiaridad de uno con el otro y pronto nos encontramos en este juego donde un matrimonio busca regresar a lo que fueron hace quince años; pero, al parecer, es "ella" quien hace todo para volver a conectar con su marido de hace quince años. 

Descifrar esta paradoja o, en todo caso, a dónde lleva, quedará como labor para el espectador, sí hay claves que manejan la idea de que una de las opciones puede ser la indicada; pero el filme no dará la respuesta. Personalmente, agradezco muchísimo una película donde, de entrada, hay más preguntas que respuestas, y las respuestas que parece haber, generan más preguntas, y si uno se aproxima a la verdad, cae en cuenta de que no importa tanto. En la película se habla tres idiomas: italiano, inglés británico y francés (quizá pueda señalarse que ésto, tiene más que ver con un contexto político, dada la nacionalidad del director y la nacionalidad de los actores), con ello se van dando tonos, matices y tiempos. 

No sé si Kiarostami hace un ensayo sobre el matrimonio o sobre el concepto de relación de pareja desde el punto de vista occidental. Por qué funcionamos como funcionamos como pareja, si de pronto entendemos que no funciona y funciona mejor que no seamos como somos, si es que hablamos de matrimonio; o si la complicidad de la soledad lleva a estos dos personajes a encontrarse en un juego con la justificación perfecta que se maneja, desde el título de la película, hasta el libro, por lo que, después de una serie de conversaciones se llega a la inevitable familiaridad de uno con el otro, en tanto que, pretender, puede ser sólo un concepto.

Kiarostami estuvo nominado para la Palma de Oro en el festival de Cannes en 2010 con esta película  y Juliette Binoche obtuvo el premio como mejor actriz. En la edición 65 del festival de Cannes, Kiarostami regresa con la película "Like Someone in love", la cual espero ver pronto. 

Un par de documentales de Kiarostami.

Roads of Kiarostami (2006)                  
                        

 ABC Africa (2001) 

Future Shorts - Temporada de Verano

[Sigo pendiente con (Charlie Kaufmann y Synechdoche, New York (2008) ]

El pasado 4 de octubre llegó a Santiguo Club Social, en una proyección especial, la Temporada de Verano de Future Shorts, el primer festival emergente a nivel mundial que muestra cortometrajes de todo el mundo en todo el mundo.

Future Shorts es un festival muy noble, permite un enlace fuerte entre países; hay muchos festivales internacionales, pero la mayoría están como base en una ciudad y los cortometrajes y/o largometrajes llegan a ese mismo lugar, o bien, si hablamos de festivales itinerantes, siguen manejándose dentro de un mismo país. Este festival permite que, así como se proyecta la selección de cortometrajes en Egipto, se pueden proyectar en Torreón, o en L.A., o en cualquier otro lugar, así que se habla de un trabajo de curaduría importante; se puede entrar en un viaje desde la animación, pasando por el stop motion, drama, ficción documental y hasta lo experimental, todo reunido en siete cortometrajes; siete historias que, a través de un buen manejo de guión, se han convertido en historias universales. 

Street Vendor Cinema (2011)
Dir. Clarissa Knoll.
Brazil, 15 min.

Un productor de cortometrajes vende producciones al momento en la avenida comercial más ajetreada de Brasil. El resultado es una extraordinaria mezcla de géneros, desde una épica samurai hasta un melodrama familiar, todo surgido de la fantasía popular enmarcada en el caos del mercado.

“El puesto de cine”, le llamo. Este cortometraje logra tocar fibras. Me recuerda esa parte humana que siento perdida; me recuerda que todos tenemos la posibilidad de contar historias; me recuerda que los escritores no son los únicos que tienen la posibilidad de escribir las historias; que los actores no son los únicos que pueden actuar, me hace pensar en el ejercicio de que todo ser humano actúa todos los días de su vida, habrá un papel que le salga mejor que otro, pero siempre y todos los días, actuamos; o bien, siempre y todos los días, dirigimos la historia de nuestra vida. Así pues, la gente en la industria del cine no es más que otro ser humano y este cortometraje es un acercamiento-recordatorio de que no somos más que eso, todos, incluso frente a la cámara, incluso en la batalla contra la página en blanco… así que todos tenemos la posibilidad de mostrar las historias en un producto audio visual como lo es un cortometraje; somos una ventana a un mundo imaginario, aquí la ficción se encuentra dentro de estas diferentes historias, y la parte de documental en el intento de registrar este proyecto de intervención cinematográfica que duró una semana en las calles de Brasil.

We Will Become Oil (2011)
Dir. Mihai Grecu
Rumania, 6 min.

Ganador del Festival de cine en Tampere, Finlandia, este documental experimental se inspira en el derrame petrolero del Golfo de México y describe el efecto del conflicto en espacios geográficos.

 

[Mostraré mi completa debilidad al dejar que la complicidad me lleve a pensar en tener un ciclo de cine completo (después de Future Shorts, por supuesto) de Werner Herzog y la primera proyección

sería Lessons of Darkness (1992). De ahí me dejaría perder en los seis grados de separación entre una película y otra.] Sobre este corto puedo decir que quisiera que algunas cosas fueran sólo ficción.
En este documental experimental se utilizan, precisamente, ciertos elementos que resultan ser los personajes, podríamos tener, en principio, el humo, como uno de los personajes principales, es un humo que envuelve, tres columnas, dos, una, un todo de humo que nos envuelve, pero jamás es envuelto por otro de los personajes principales que es la música. La música aquí, no es un acompañamiento, es un elemento que corre paralelo a las imágenes, la sentimos, y hay que recordar que la música, en el cine, sirve para guiar la historia (no deberíamos darnos cuenta de su existencia); muy pocas veces se utiliza la música como un personaje más. Un personaje clave, además. Entonces, así tenemos ya el humo y sus columnas, la música y, el otro personaje sería el fuego, que baila sobre el agua (con mucha tristeza, por cierto.)
Lo que me parece interesante es por qué el director ha escogido como inspiración el Golfo de México y por qué documental experimental, quizá porque, como él mismo dice “mi trabajo es, primero, sobre la imagen” Qué bonita sentencia. Hay que poner atención al trabajo de este director.

Notes on Biology (2012)
Dir. Will Madden
EUA, 6 min.

Como una animación en stop motion, Notes on biology fue la ganadora de la categoría al Mejor Corto en el SXSW. Este ingenioso corto producido por Ornana Films sigue la imaginación de un estudiante durante la clase de biología.

Una de las preguntas que me hago con este corto es ¿cuál fue la primera pregunta que se hicieron los creadores de este cortometraje para

desarrollar la idea? Acaso fue ¿te acuerdas que te la pasabas dibujando en clase de biología? Notes on Biology es un cortometraje que nos permite entrar en la cabeza de un estudiante, “Mr. Ellis”, y observar el proceso de creación de su propia aventura de acción con un elefantito que brinca de una nota de biología a otra. Y lo interesante es lo que pasa cuando el profesor de biología se da cuenta de que este chico, “Mr. Ellis”, no está poniendo atención.

Guest (2011)
Dir. Ga Eun- Yoon
Corea del Sur, 20 min.

Una adolescente enojada con el amorío de su padre, se escabulle en la casa de la amante sólo para encontrar a sus dos pequeños hijos. Ganador del Premio Internacional del Grand Prix en Clermont-Ferrand, Francia. Guest es un retrato de emociones en esta bellamente actuada historia de transición producido por el Programa de Cine de la Universidad Nacional de Artes de Corea.

Este cortometraje deja claro que cuando todos los elementos que componen una producción audiovisual están en armonía, se tiene como resultado un cortometraje muy placentero y muy muy muy bueno, deja lugar a la imaginación de qué más nos dará este director a lo largo de su carrera. Es de esperarse que con la escuela que ya es el Cine coreano, sumado al programa de la Universidad, se tendrán en un futuro ciclos de cine sobre este director (mujer).

En Guest se nota a simple vista que toda la parte técnica ha sido muy bien cuidada; se nota que hay un equipo de producción bastante amplio, pero no sólo eso, también se puede ver que el director tiene toda la capacidad para dirigir a niños, lo cual indica, repito, esos destellos de un buen director en camino (este corto es el tercero en su carrera.) En esta historia, prácticamente, los niños tienen el control, no sólo por tener los papeles principales, si no, también, por la carga dramática que lleva, por sí sola, esta historia que es, en primer término, universal. La peculiaridad es cómo sostiene ese hilo de gran tensión a lo largo de veinte minutos: nos pone a dudar o temer por el curso de la historia, pareciera que va hacia un camino que podría no gustarnos, y al final, en efecto, sorprende, sin dar ningún tipo concesiones, nos maniente sobre ese hilo de tensión hasta los créditos, porque, aun cuando llega a un fin, la pregunta seguirá siendo “y qué pasará”, es decir, al final de cuentas, qué sabemos sobre el curso de nuestras vidas.

A Morning Stroll (2012)
Dir. Grant Orchard
Reino Unido, 7 min.

Creado por Estudio AKA, multiganador del BAFTA (UK) y la compañía detrás del favorito de Future Shorts Jojo In the stars, Grant Orchard narra en tres actos que abarcan más de 100 años, la historia del encuentro entre un newyorkino y un pollo. Este increíblemente exitoso corto animado ha ganado ya un premio BAFTA, el premio del jurado en el festival de Sundance y f

ue nominado a un Oscar.

Este cortometraje es todo lo que se puede esperar de trabajos que están en festivales como Sundance, o el de Brooklyn; y en premios como los BAFTA, y los Óscar. La historia es sencilla, concreta, directa, con suspenso, con drama, con comedia, con animación, con zombies. Además de un guión concebido, aunque sea de manera muy vaga, del libro True Tales of American Life. Es una gran sorpresa esta animación.

Tumult (2012)
Dir. Johnny Barrington
Reino Unido, 13 min.

Una tribu de guerreros noruegos vaga exhausta por la estéril llanura después de la batalla. Su agonizante jefe está a punto de trasladar el poder a su hijo, cuando un ejército de una clase totalmente distinta desciende sobre ellos.

Otro de los cortometrajes que entró en el camino de Sundance. Una historia bizarra, que lleva una pantalla transparente donde se presenta una ruptura en el tiempo y el espacio. Una sorpresa, realmente. Me deja mucho con el factor en la cabeza “pero qué demonios está pasando”, un guión verdaderamente interesante. 

Fireworks (2011)

Dir. Víctor Hugo Durán
EUA, 11 min.

Al crecer en Los Ángeles, el 4 de julio significa fuegos artificiales. Teniendo como marco el día feriado en el Sur de L.A. Fireworks es una historia de transición a la madurez de dos chicos adolescentes en la tarea de impresionar a un grupo de chicas.

¡Ah!, un corto de Los Ángeles en el festival de cine de L.A. y en Tribeca, el festival de Nueva York. Parece que hay muy poco que decir sobre este director, pero la verdad es que hay mucho que decir. Es un director muy joven, tan solo tiene 27 años y siendo aun estudiante de cine, ya ha estado en festivales importantes, trabajando con producción independiente, pero que han puesto especial cuidado a la edición. En relación a la historia, es universal, sencilla, refleja la inocencia de un grupo de adolescentes que, si bien ya saben diferenciar entre el bien y el mal, poco saben medir las consecuencias de sus actos, todo porque buscan impresionar a unas chicas. Creo que es un buen guión, en ciertos momentos parece que estamos siguiendo un documental sobre fuegos artificiales; se entrelazan tema y subtema en una buena ejecución, así como un interesante tratamiento sobre la dirección y composición.