Ssa-i-bo-geu-ji-man-gwen-chan-a / I'm a cyborg, but that's ok / Soy un cyborg (2006)

Comentario lleno de spoilers sobre una comedia romántica un poco rara, pero muy linda o Cómo dar un mal diagnóstico a un personaje de ficción.

A girl (Su- jeong Lim) who thinks she is a combat cyborg checks into a mental hospital, where she encounters other psychotics. Eventually, she falls for a man (Rain) who thinks he can steal people's souls / Una chica que cree ser un cyborg de combate es hospitalizada en una institución mental donde encuentra a otros psicóticos, eventualmente, se enamora de un chico que cree poder robar el alma a las personas.


Investigando recientemente sobre el Síndrome de Asperger o autismo de alto funcionamiento, gracias a un simpático test "Leyendo la mente a través de los ojos" (les recomiendo hacerlo, click aquí) que encontré en un artículo de pijamasurf.com "Por qué es tan difícil para los hombres entender a las mujeres", recordé la película I'm a cyborg, but that's ok. De inmediato me vino a la mente por la sintomatología del personaje principal femenino, si bien, en la pantalla está dibujado un poco cómico al estilo muy peculiar del director Chan-wook Park, sí creo que hay mucho de una mujer Aspie (persona Asperger) en dicho personaje. Probablemente me estoy equivocando porque se menciona la demencia psicótica, la esquizofrenia. De hecho tuve que revisar la película una tercera vez para no venir y escribir disparates, pero hay partes que me parecen características, por ejemplo, la parte práctica, las compulsiones, y el hecho de que Cha Young- goon (Su- jeong Lim) sea un cyborg, no sé si pueda tomarse como una analogía pues, para el Aspie, todo debe tener un propósito, y se menciona en repetidas ocasiones el "propósito de la existencia" de Cha Young- goon. Los Aspie van con cierta inocencia y un sentido infantil, pero con un sentido lógico, tienen algunos problemas con la comida (particularmente las mujeres), dicho todo eso, lo que más me me declaró puntualidad fueron los siete pecados capitales del cyborg: 1. tristeza; 2. desasosiego; 3. dudas; 4. fantasías; 5. culpabilidad; 6. gratitud; 7 compasión (el peor de los pecados) y cada uno de ellos dibuja a una mujer Asperger. Incluso la parte de violencia, es decir,  cuando acaba con el hospital psiquiátrico buscando venganza por aquellos que se llevaron a su abuela, quien sufría alucionaciones, ella creía ser un ratón, podría ser una especie de declaración contra la injusticia que para los Aspie es intolerable. Debo dejar en claro que un Asperger no es violento y que no estoy haciendo una descripción puntual del Síndrome de Asperger. Para mayor información, visitar los enlaces. 
I'm a cyborg, but that's ok es una comedia romántica muy linda que muestra a pacientes psiquiátricos en su mundo, la historia es contada desde la perspectiva de ellos, concentrándose en los personajes principales, e incluyendo en su mundo tan colorido, tan vivo, tan lleno de perspectivas inusuales para las personas normales, a los doctoes del hospital. Se puede decir que también vemos a través de los ojos de un Aspie  que está dentro del psiquiátrico, pero que ni siquiera está como un paciente normal, sino como un cyborg y debe lidiar con el hecho de que es un cyborg, por lo tanto, no es normal ni fuera ni dentro del psiquiátrico.
Afortunadamente, la chica cyborg sólo necesita ser reconfigurada para poder, por decirlo de alguna manera, funcionar dentro de los esquemas humanos, dentro de las normas, y eso incluye comer de manera normal, socializar, integrarse, adaptarse, comunicarse y bueno, vemos un diálogo muy hermoso, muy interesante entre el cyborg, Cha Young- goon quien, efectivamente, como los Aspie, no sabe expresarse a nivel neurotípico con la gente (los otros pacientes, los doctores), entienden direcciones y cuando la otra persona es directa, sin embargo, con la ayuda del paciente Park Il-sun (Rain), un chico anti-social que roba almas, y que de pronto se convierte en el conejo de la suerte, ayudando a los demás pacientes, el cyborg o la chica, logra irse adaptando. Cha Young- goon comienza a seguirlo, a investigarlo (digamos que en un intento, en una forma poco convencional de demostrar que le gusta, que siente algo por él) y hace contacto con él para que le robe la compasión que siente por los hombres de blanco a los cuales tiene que asesinar porque se llevaron a su abuela. Park Il- sun, desde que ve al cyborg llegar al psiquiátrico habría mostrado interés por ella, pero a través del trato y  la inocencia con la que ella se presenta, logra reconfigurar, a base de muchas tácticas llenas de amor e imaginación, a Cha Young- goon para que comience a alimentarse y eventualmente logran una bella comunicación y relación dentro del mismo psiquiátrico.
El inicio de la película muestra a Cha Young-goon perdiendo por completo el sentido de la realidad en la fábrica de radios donde trabajaba pues, en un intento de recargarse (alimentarse), se corta las venas para conectarse a corriente y es por ello que llega al psiquiátrico, esto sí creo que no es parte del Aspie, pero bueno, finalmente es una película y vale mucho la pena verla, es de esas pocas películas que tienen un tono simpático, humano, a pesar de las técnicas a las que tienen que llegar para que el cyborg se alimente, muy bonita, un manejo cinematográfico bello y una historia que conecta un tanto a manera de seguir los puntos para crear una figura, pero bien lograda, mostrando que una clínica psiquiátrica puede ser un lugar poco ortodoxo para encontrar el amor, pero no imposible. Finalmente, qué es ser normal en el mundo de los "normales".

Pueden encontrar la película por youtube. Parte 1 (no en español)

Parte 2 (español)

Les Amours Perdues (2011) y Holy Motors (2012)

Holy Motors (2012) - Leos Carax

From dawn to dusk, a few hours in the shadowy life of Monsieur Oscar... / De la noche al amanecer, unas horas en la sombría vida de Monsieur Oscar... 

Cómo dices algo sin decirlo, cómo comentas sobre una película sin caer en spoilers. Los que hemos tenido oportunidad de ver esta película podríamos encontrar un abanico de interpretaciones, hay una manifestación -idea o sentimiento-, de que el cine está mutando, el cine como lo vemos, como lo percibimos, como lo experimentamos, la forma en que se hace... todo está cambiando.
La idea prevalente sobre Holy Motors entre los espectadores, entre los cinéfilos y los críticos de cine es la dedicatoria por parte de Leos Carax al cine del celuloide que tiene tiempo en mudanza y que, al parecer, no será parcial, por lo que entraremos en otra dimensión. La apuesta dentro de la historia que manifiesta la reducción de las cámaras a un punto invisible -es decir, estarán, pero no las veremos-, ya no dista mucho de la realidad. Esta dedicatoria, si la tomamos así de golpe, haría entrar a Holy Motors en una serie de películas encargadas de homenajear al cine del celuloide, pero también al lugar, el teatro, el cine.  Monsieur Oscar (Denis Lavant) dice "Nuestra vida está a punto de cambiar", y si nuestro mundo cambia es porque nosotros cambiamos, por lo tanto, cambia el cine como le conocemos.
Aceptando el por qué del mundo de Leos Carax, aceptando la sinópsis, la celebración al cine puede ser clara, pero a mi parecer, también hace la tarea de crítica (¿a la sociedad?), cada momento,  cada género representado y  cada personificación por parte de Monsieur Oscar me parece un aplauso, una crítica, y una declaratoria para el futuro.
Leos Carax, una vez crítico de cine, desde hace se tiempo se convirtió en una firma... o, ¿acaso es sólo un gran admirador de David Bowie? El trabajo de Leos Carax y la continua colaboración con Denis Lavant, desde Boy Meets Girl hasta Holy Motors, es muestra de honestidad por parte de un director capaz de expresar lo que piensa, con un gran actor que logra interpretar los deseos del director, y a través de este dúo, el resto podemos pensar y analizar, encontrar nuestra propia historia y cuestionarnos, sin ser sólo una mente pasiva sentada en la butaca del cine; Holy Motors es surreal, es una crítica y es una súplica que admite el recuerdo de lo bueno, y sellar lo malo para continuar; o recordar lo bueno y no tan bueno, procurar su permanencia y buscar en el pasado para mejorar el futuro, y no cometer los mismos errores, siempre buscando sustancia,  pesar de la inevitable y aparente decadencia de las mentes detrás del cine y de los seres humanos. Holy Motors entrará en un libro ¿"El cine contra el cine hiperreal"? Pero cuál es el significado de esto, oh!, no sé, en realidad sólo soy un "popcorn lover". 

El cine vivirá, a menos que el espectador pierda todo el sentido del gusto por el cine y los realizadores todo el sentido del gusto por contar historias; el cine vivirá, y siempre irá de la mano de la tecnología, y no podrá hacerlo sin las herramientas principales, sin los transmisores de emociones: el actor. Es poco probable que el actor desaparezca, incluso si los gráficos llegan al punto de traducir fielmente al ser humano. Con respecto a la película, es la idea que más me queda claro. ..



Les Amours Perdues (2011) - Samanou Acheche Sahlstrøm

Me pregunto si Denis Lavant es real.. . Les Amours Perdues es una historia que de principo a fin mantiene al espectador en un hilo de incertidumbre. Es un cortometraje, un filme escrito y dirigido por Samanou Acheche, un director joven que me ha interesado mucho y del cual estaré al pendiente.
La dirección en este filme es estética, muy placentera y precisa en cuanto al trabajo de sonido, permitiendo que nos metamos en la historia, que permanezcamos en ella, además de que el encuadre se encuentra al punto de la intimidad con el actor, lo cual crea un diálogo peculiar con el director y con la cámara. Denis Lavant junto a Emmanuelle Béart fue un trabajo que ha requerido de éste un acercamiento distinto, por lo general es un actor muy físico, y aquí sale y muestra emociones en una historia que termina donde no quería que terminara, pero que fue justo donde debía terminar.  

Seven Psychopaths / Siete Psicópatas y Un Perro (2012)

A struggling screenwriter inadvertly becomes entangled in the Los Angeles criminal underworld after his oddball friends kidnap a gangster's beloved Shih Tzu / Un guionista sufriendo "bloqueo de escritor" se ve enredado en el mundo criminal luego de que sus excéntricos amigos raptan el querido Shih Tzu de un gángster en la ciudad de Los Ángeles.

 

Pensemos en que vamos a preparar un rico Martini seco que lleva como ingredientes: comedia negra, algo de Gore, un guionista bloqueado, un perro y siete psicópatas. Lo agitas y el resultado es Seven Psychopaths, una película escrita y dirigida por el dramaturgo, guionista y ganador de un Óscar por el cortometraje Six Shooter, Martin McDonagh. Siete Psicópatas -y Un Perro-, parece no funcionar como película, pero funciona como guión que se convierte en película. No tiene sentido, pero es muy buena y va más o menos asi: Marty  (Colin Farrell) es un guionista que tiene dificultades frente a un guión. Lo único que tiene del guión es el título "Seven Psychopaths". Al no poder escribir su guión, comienza a beber. Billy (Sam Rockwell) quien está en el negocio de raptar perros junto con su amigo Hans (Christopher Walken), le hacen ver que tiene problemas con el alcohol, y, en su afán de ayudarlo, los tres se van envolviendo en una  serie de situaciones que, dado el título del guión, si bien puede parecer un método poco ortodoxo para Marty, le ayuda a ir forjando el desacomodado "argumento". Teniendo la materia prima del guión que debe a sus amigos psicópatas, nos encontramos  una historia que lanza la pregunta qué es un psicópata.
Es una historia con elementos de amor y amistad, misma que sobrevive luego de pasar por una montaña rusa aleccionadora, logrando así, no sólo que Marty termine su guión, si no que encuentre su propia voz.

 

Esta película permitirá al escritor de guiones -que no está dibujado como una sombra en la esquina de un cuarto oscuro, si no como un personaje del mundo real donde encuentra elementos que lo ayudan y lo alimentan; elementos que llegan a ser un grupo de apoyo incluso más interesante que las típicos grupos de intervención que pretenden tomar acción en apoyo a una persona, en este caso, un guionista que no la está pasando bien, y se mete por un camino acompañado de alcohol, justificado por su sangre irlandés-, encontrar un espejo. El  reflejo mostrará empatía dentro del infierno (que tampoco es el infierno de The Shining) del otro que se desentiende de lo que pasa a su alrededor, pero precisamente -y esto es una de las cosas que más me gustó de la película-, aquello de lo que se desentiende, esas fuerzas externas (o sea, los amigos psicópatas que lo someten) se integran al proceso de la escritura del guión. Esas fuerzas externas son los que se convierten, con el paso de los años, en los elementos más enriquecedores dentro del proceso de creación. Es un ejercicio de colaboración para el guionista, aunque a veces la ejecución puede ser solitaria. Pero siempre son las experiencias y la gente alrededor del guionista, los que le ayudan a funcionar. El mundo que vive el guionista para encontrar su historia y luego encontrar la forma para contarla, está más o menos dibujado en esta comedia negra que es, pero no es. 

Seven Psychopaths me gustó bastante, no voy a negarlo, poco hay que se pueda decir sin llenar este espacio de spoilers. Agregaría que las actuaciones son interesantes, no creo haber puesto tanta atención antes a Colin Farrell, o al director Martin McDonagh que resulta adorable, pero sin duda, ahora lo haré. Espero tengan oportunidad de rentar la película para ver en casa con un montón de palomitas y sin tener que sufrir censura. Me despido con la siguiente frase de unos camaradas guionistas “Si un guionista no conoce el sarcasmo, está perdido”

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Les Infidèles / The Players / Los Infieles (2012)

A series of short films set around the theme of male infidelity / Una serie de cortometrajes basados en el tema de la infidelidad masculina.

No logra concretarse algo, definitivamente tendrá fallas. Quizá es la búsqueda de respuestas con tonos intelectuales lo que se espera ver en pantalla al tratarse temas de este tono, al no encontrarlas, más de uno puede resultar insultado. Aquí la infidelidad se muestra ejecutada por el sexo masculino, sin embargo, uno de los cortometrajes intenta colocarnos la idea de que no sólo es el hombre, dentro de una relación heterosexual, quien puede ser infiel, sino también, y, más interesante aún el hecho de que sea por los mismo motivos, la mujer. Si bien quiere colocar la idea como un ejercicio de análisis, puede resultar fallido el intento, puesto que la aclaración de la infidelidad casi como una institución dentro del contrato matrimonial, es innecesaria. A muchos nos queda claro que la infidelidad existe y que se da por ambas partes en todo tipo de relaciones, que algunas partes se vean más penalizadas que otras, es una cuestión de pobreza mental en nuestra sociedad. . 

El ejercicio -que viene a presentarse como una idea original de Jean Dujardin, a quien recordaremos como ganador del Óscar por su actuación en la película El Artista (2011), dirigida por Michel Hazanavicius, quien también participa como director en Les Infidèles- muestra no una batalla por la fidelidad, si no lo ridículo a lo que pueden llegar las partes. ALERTA DE SPOILER: Un ejemplo se da muy al inicio de la película. Después de haber tenido sexo con un par de chicas a quienes acababan de conocer en un bar, dos amigos se encuentran aseándose en el baño del hotel, cuando se escucha el cerrón de la puerta del cuarto donde se encuentran. Uno de los amigos señala “No me lo puedo creer, y ¿se han ido?”, refiriéndose a las chicas, a lo que el amigo contesta “Podían haberse despedido” Es un momento realmente ridículo el que después de toda la escena de sexo que cada uno tuvo con su cada cual, todavía esperaran una despedida. Es un instante que me sacó una risa algo forzada, pero lo logró. .

Otro de los cortometrajes, quizá el más logrado, se llama “Lolita” y aquí sí hay momentos en los que logramos ver un poco más la psicología del personaje, pero vuelve a cerrar con un tono que resulta insultante no sólo a los personajes, si no al espectador. Pero incluso así, logra retratarse alguna de las posibles situaciones en las que las parejas pudieran encontrarse alguna vez.

La película no fue bien recibida fuera de Francia, yo no creo que sea una película mala, ni que sean cortometrajes malos, hay algo y lo refleja. Es una película que un público adulto puede disfrutar con cierta facilidad, y si alguien, al interior de su persona ha encontrado una dualidad que le permite la atracción hacia el género del mismo sexo y al género del sexo opuesto, sin duda que le resultará más divertida. Los personajes no tienen tapujos, se muestran despreocupados, pero a su vez no, cínicos, en fin, si uno elimina tapujos antes de verla, podrá pasar un rato con reacciones interesantes, risa, estupefacción, sólo por mencionar algunos.

En lo personal  sí salí pensando en que la película falla, en que no me dice nada y que no hace más que retratar algunas situaciones de una manera ridícula y, a tantos, graciosa. Pero entre más pensaba en sus fallas, entre más pasaban los minutos después de haber  terminado la película, no pude dejar de pensar en ciertas escenas que me vuelven a provocar risa. Aquí es donde creo que la película ha logrado concretar algo, porque se mantiene en la memoria por un rato y se disfruta mucho que sea explícita y sin censura, siempre se agradece el cine con tonos claros, sin supuestos. Quizá los momentos que más disfruté fueron la terapia de Infieles Anónimos, el cierre de la película y el clip extra entre los créditos que forma parte de Infieles Anónimos. Así pues, estos “a ratos cortometrajes”, antología, película, realizada entre ocho directores, escrita entre cinco personas, con una colaboración directa entre dos grandes actores franceses, que se vuelven a prestar a la comedia, como lo son Jean Dujardin y Gilles Lellouche, merece una mirada. No serán carcajadas al estilo Hollywood, pero habrá risas. En realidad, me gusta la película, me dan ganas de verla de nuevo y estudiar a los personajes, por otro lado, seguiré un par de referencias que señalaron los dos realizadores y queda, por supuesto, la invitación para los lectores de este blog a que se acerquen a esas referencias que son la serie de televisión que sigo fielmente, Californication con David Duchovny, y la película de Dino Risi que aún no he visto, I Mostri (1963). La veré pronto y comentaré algo. 

Censura a la vista.

Cloud Atlas (2012)

En ocasiones me pregunto si todavía vale la pena ir al cine en estos tiempos de consumo, es realmente complicado por muchas razones, empezando porque no siempre el público es tan educado como se esperaría que fuera. Ser un espectador educado implica respetar tanto la película, como al resto de los que se encuentran en la sala. Las películas se deben ver en el cine, si la película es de especial atención, se busca una proyección a temprana hora y un día a la semana de poca gente, como el lunes; sin embargo, existen películas que, no sólo como experimento social, si no como un complemento de la experiencia cinéfila, merecen el registro de la película con una sala llena, pues nos refieren debates inmediatos, cuchicheos con incógnitas sobre lo que vemos en pantalla, además, hay algunas películas que ponen a prueba la resistencia de los asistentes porque abarcan la historia en algunas tres horas. Quizá lo más triste de la experiencia en el cine, en “estos tiempos” tiene que ver más con las fallas técnicas -deliberadas- a la hora de la proyección: esas ocasiones en que un cacho de la película, literalmente, sale por la parte superior e inferior de la pantalla, eso quiere decir que los formatos no coinciden. Es tarea del espectador hacer señalamiento de estas situaciones al gerente de los cines, sin importar que hagan caso omiso. 

Es bueno cuando las películas generan debates, pero cuando se genera un debate viciado, como sucede en torno a la última película Django Unchained (2012) de Quentin Tarantino, por sus tonos de violencia, o bien, por su tratamiento en torno a la esclavitud, me parece inútil cualquier debate. Habrá más debates con otras películas que están ya nominadas al Óscar. Creo que, de pronto, con ciertos argumentos en las películas que refieren tratamientos políticos muy precisos, se nos olvida que una película es una película, por eso se llama “ficción” y claro que hay pedazos extraídos de la realidad por parte de sus creadores. Algunos directores buscan estar tan cerca como se pueda de los hechos, pero sigue siendo ficción y siempre lo será. Nuestra percepción y la percepción de los otros será siempre distinta, así que necesitamos entender las películas como tal. El debate es excelente, pero no que se juzguen y se encuentre “culpable de todo cargo” a una película que refleja o busca retratar los actos del ser humano. Los seres humanos nos comportamos como bestias. Si realmente habría que juzgar, enjuiciar y para ello movilizarse, entorno a lo vivimos en nuestra realidad: violencia, manejo incorrecto de políticas sociales y económicas, etc., debería ser a las autoridades correspondientes (y también a nosotros mismo) y no a una película. No te gusta, no la veas. Pero que haces con un gobierno que no te gusta, cómo se “escapa” de eso, o es que ¿solo te sometes?

 CLOUD ATLAS (2012)

An exploration of how the actions of individual lives impact one another in the past, present and future, as one soul is shaped from a killer into a hero, and an act of kindness ripples across centuries to inspire a revolution / Una exploración de cómo las acciones de vidas individuales impactan a otras en el pasado, el presente y el futuro, como una sola alma se forma de un asesino en un héroe, y un acto de bondad ondea a través de los siglos para inspirar una revolución.

Creo que vi Cloud Atlas en el momento preciso que debía verla, tuve que pasar por un proceso de aceptación y limpieza de lo bueno y lo malo en cuanto a las críticas que había escuchado, y casi decido no ir a verla al cine. Aquí tengo que hacer paréntesis para comentar que habría sido un  error haber dado una primera visita a la película en casa, lo habría lamentado muchísimo, y los daños que esto habría generado a largo plazo en mi vida, serían  irreparables. Qué error más grande habría sido no ir a verla en el cine. No había sentido, literalmente, “nada”, en mucho tiempo. No había un "algo" que haya causado dejarme llevar y sentir emociones humanas a tal grado que podía verlas en la superficie, como un aura que desprendía de mí. Dicho de otra forma, no había tenido un revoltijo de emociones,  una detrás de otra y todas muy distintas entre ellas, en un lapso de tres horas. De lágrimas a risas; de desconcierto a acierto; empatía, coraje, desilusión, euforia, esperanza sobre el futuro de la humanidad, esperanza en el ser humano, o la afirmación de que, uno no es sin el otro, y, lo que haga tanto me afecta, como afecta al otro. Es un paquete completo. Es una película que nos recuerda, a muchos, la magia del cine y por qué seguimos visitándole. No lo puedo explicar, pero cuando la ves, puedes entender muchas cosas, claro, si no se hace una incisión y sólo nos dejammos llevar por los conectores o por los nodos que se vayan presentando, hay que dejarla que penetre sola, luego que salga, dejarla respirar. Sin duda, algunos preferirán o desearán varias revisiones para buscar un análisis. Pero pienso que si no se hace, es por demás disfrutable. Tengo ganas de verla de nuevo en pantalla grande, porque es para verse en cine. Hoy, prácticamente estuve sola, seleccioné una proyección a las dos de la tarde en este día lunes, apenas había otras dos almas, una parejita de veintitantos años. La sala era enorme, y debo señalar que agradezco que no nos hayan corrido y que se haya seleccionado la pantalla correcta para la proyección. En varios momentos de la película sentí las miradas de la parejita cerca de mí, pienso que no entendían por qué rompí en llanto, o por qué reía o por qué brincaba de mi asiento, o por qué suspiraba. Me gustaría verla de nuevo en el cine, esta vez con más gente en la sala para realizar un experimento social, pero no quiero arruinar el momento que aun tengo fresco, no quiero contaminar todo lo que me hizo sentir, una visita pronta me haría empezar a querer armar el rompecabezas, que, pensándolo bien realmente no hay. No es, como dicen algunos, que son seis argumentos distintos, por el contrario, es uno en donde los personajes se vuelven a encontrar en diferentes tiempos: pasado, presente y futuro. Creo que no puede haber nada más simple que eso. La sinopsis se respeta en un cien por ciento. No puedo comparar la película con la novela -que lleva el mismo nombre de la película- de David Mitchell, misma que fue inspirada en una pieza musical y en el estilo narrativo de otra novela, porque no he tenido la fortuna de encontrarme con el libro Cloud Atlas, o con el otro libro o haber escuchado la pieza musical, pero espero que todo se conjugue pronto y pueda hacerlo. Imagino que encontraré en la novela tonos más específicos en relación al desarrollo político. Por lo pronto quiero disfrutar de este momento lo más que se pueda. Es triste, pero no recuerdo que nada me haya hecho sentir tanto en sólo tres horas y creo que pasará algo de tiempo para que otra película provoque esto en mí. La verdad, no recuerdo haberlo sentido nunca.

Para aquellos buscando pensarla, buscando respuestas  o quieran encontrar coherencia o lógica, sugeriría resistencia. Se requiere cierto conocimiento para saber lo que estamos viendo, pero no es necesario analizarla demasiado para disfrutarla. Como amante del cine, prefiero esperar un poco para verla de nuevo y revisarla… quizá me gane la curiosidad. Contrario a lo que algunos críticos brillantes han señalado sobre la película como fallos, la falta de un solo plot, la orgía* de directores, la orgía de guionistas, la orgía de los actores, yo aplaudo todo esto, porque es precisamente el camino que apunta la película, no diferentes historias, si no tiempos entrelazados, y esta colaboración entre tres, los hermanos Wachowski  y Tom Tykwer, a la hora de desarrollar el guión -basados en la novela de David Mitchell-, y la dirección, es lo que hace que esta película funcione tan bien; son los detalles. Es excelente que los actores hayan abordado varios personajes. Cada segundo de Cloud Atlas funcionó para mí, música, dirección, guión, el maquillaje me pareció hermoso. En algunos momentos recordé mucho 2046 (2004) de Wong Kar Wai, no imagino por qué. (Je, je!) Creo que el único problema que tengo con la película es el trailer (explica demasiado) y me gustaría que la película no terminara, pues durante esas tres horas pude ver muchas cosas sobre nosotros, los humanos, que en este momento, como sociedad, no veo reflejados, estamos algo perdidos. Si todos vieran esta película, ¿habría un cambio en la sensibilidad del ser humano sobre lo que le rodea? Me gustaría que fuese así. Pero, de nuevo, ¿alguien más lee tan positiva la película como yo? La prueba es que no, la división generada alrededor de la película entre si es buena o no, es decir, si funciona o no, es prueba contundente de que cada quien ve las cosas como quiere, y esto se debe a la suma de eventos en la vida de cada persona. No creo que sea demasiado lo que aborda, al punto de agobiar al espectador, creo que aborda lo suficiente para querer ver más. Tampoco creo que sea, como leí en los apuntes de un crítico de cine, que sea una película intentando jugar con la mente del espectador; más que jugar, expone; si parece que expone muchas cosas es, porque, quizá, no nos hayamos cuestionado lo suficiente sobre la vida antes de la exposición con esta película, obviamente, sin que haya existido la necesidad de hacerlo por la película, como un fin. Aún así, si alguien busca analizar la película, podría recomendar hacerlo no de una forma lineal, si no viéndole como un mapa proyectado sobre una superficie, sería tan sencillo como generar un diagrama, o un mapa mental, donde una cosa conecta con la otra, o como un escaneo del cerebro, o como la representación del mapa del universo en Prometheus (2012). Más o menos eso ayudaría a entender la relación causa efecto del ser humano con su todo. 

Pero bueno, aquí están mis impresiones, mis arrebatos, prometí a alguien que escribiría algo sobre Cloud Atlas y ya está. No hay una disección o ensayo sobre la película, no soy tan lista o inteligente como para poder hacer un análisis exhaustivo con una primera visita -y tampoco es que lo quiera hacer-, pero dije que escribiría sobre ella. Para algunos será necesario hacer una disección, en tanto que buscarán justificar sus acciones, pues de pronto es difícil entender más allá de su realidad, puesto que tienen mucho que perder si es que ésta cambia. Debe quedarnos claro que la incapacidad de trasgredir, no debería implicar el desconocimiento de cosas como el arte. 

Creo que la recepción favorable que le he dado a Cloud Atlas se debe mucho al cariño que le tengo al cine, pero en particular a las historias, a los guiones, son estas películas que conjugan una producción tan hermosa, las causantes de mi cariño por el cine. Si no me había enamorado, lo estoy ahora. 

*Menciono orgía no como el placer por el acto sexual, si no en un intento por describir el placer que, desde mi perspectiva, se debe generar al trabajar en conjunto, buscando un mismo fin. En este caso, la película.

Actores

Desde hace tiempo buscaba hacer una lista de actores.

1.       Daniel Day-Lewis 
2.    Jack Nicholson
3.      Philip Seymour Hoffman 
4.      Paul Giamatti 
5.       Ralph Fiennes 
6.       Benedict Cumberbatch 
7.      Michael Fassbender 
8.      Christoph Waltz 
9.       Ewan McGregor 
10.    Vincent Cassel 
11.   Viggo Mortensen 
12.   Chiwetel Ejiofor
13.   Darío Grandinetti…
14.   Sean Penn…
15.   Robert Downey Jr. (antes de Iron Man)

16.   Mickey Rourke
17. Geoffrey Rush. . .

El año pasado escribí algo breve sobre Michael Fassbender y su trabajo en la película Shame. Fue una sorpresa ver cómo manejó o a su  personaje, fue muy interesante y muy atinado. Existía una ventaja importante con Fassbender en Shame y es la colaboración que ha mantenido con el director Steve McQueen. Me encanta este actor, me gustó mucho verlo como David en Prometheus (2012).

Antes de encontrar a Fassbender, a principios de 2011, me topé con la serie de televisión Sherlock, creada por Mark Gatiss -quien actúa también en Sherlock- y Steven Moffat, ambos crearon una productora de televisión que creó la serie para la BBC One. Los creadores de Sherlock se han manifestado con un amplio conocimiento sobre las historias de Conan Doyle. Antes de Sherlock trabajaron en llevar a la pantalla a Jekyll, haciendo una adaptación estilo secuela de la novela Strange Case of Dr. Jekyll and Mr Hyde. Sherlock la protagonizan  Benedictc Cumberbatch, como Sherlock Holmes y Martin Freeman, como  el Dr. John Watson… o hay que decir ¿BILBO BAGGINS? Para los fanáticos creo que la escena más hermosa es la de Bilbo con Gollum en The Hobbit: An Unexpected Journey. What have I got in my pocket?)

 

 

Las historias de Conan Doyle estuvieron conmigo muchos años, he visto muchas producciones con adaptaciones de Sherlock que no pasan de entretenidas, y cuando vi que había una nueva adaptación pensé que sería una decepción en términos del tratamiento, que sería otro de esos intentos de retratar al personaje y sus aventuras, las cuales terminabaría por hacer que sólo te interesara la resolución de los casos, dejando a un lado todas las posibilidades en cuestión de drama, además del no agregado suspenso, por lo tanto, el olvido completo de esas grandes aventuras, o bien, volver al recurso de exagerar los tonos cómicos del personaje y su camarada, así como la misoginia, o hacer que parezca un estudio de la misantropía del mismo; o que, quizá, sería un intento más de desdibujar al personaje, poniéndolo años luz del retrato tan cuidadoso que semantuvo en las historias originales, es decir, pulirlo hasta dejarlo como un personaje dócil, caballeroso y encantador. Pero obviamente, al ver la serie quedé, como muchos, atrapada, emocionada, excitada.  Ha sido una adaptación muy buena, con excelente dirección de fotografía. Pasarán otros tantos años para que vuelva a existir el Sherlock y el Watson, no un “creoque así es Sherlock y creo que así es Watson” Se ha dado un correcto tratamiento, una adaptación inteligente. Bravo. 

Benedict Cumberbatch

En sus primeros papeles para la televisión inglesa, Benedict Cumberbatch, mantuvo un perfil alto que lo llevó a ser rostro de los pasados Juegos Olímpicos de Londres 2012. Quizá algunos le recuerden por la película Atonment, en donde me pareció delicioso y no es que esté de acuerdo –aclaro- o aplauda la psyche del personaje que le tocó interpretar. Atonment es esta película de 2007, que en español el título quedó Expiación, deseo y pecado. Vaya suerte de orgía en los títulos de las películas en español. Parece que es una lotería y el primer título que salga, por más ridículo que suene, ese se queda. Las actuaciones de Cumberbatch incluyen, nada más y nada menos que a Stephen Hawking, en una producción de 2004 para la televisión; en la mini serie To the Ends of the Earth (2005), lo vemos como  Edmund Talbot, un aristócrata trepado en un barco de guerra británico con dirección a Australia. Luego está Paul Marshall,en Atonment de producción 2007 (habría deseado que los actores para los personajes principales fueran otros); William Carey en The Other Boylen Girl (2008); Luke Fitzwilliam en Marple: Murder is Easy, una producción también de 2008 paratelevisión basada en la novela de Agatha Christie; en 2010, fue Vincent VanGogh, en Van Gogh: Painted with Words, también para televisión. Luego fue The Creature / Victor Frankenstein en una producción en vivo de El Royal National Theatre of Great Britain. Su siguiente colaboración fue en la película TinkerTailor Soldier Spy (2011). Luego regresa a televisión con Parade’s End (2012), una mini serie interesante que retrata un triángulo amoroso,  situado alrededor de la Primera Guerra Mundial.

En general, las producciones en las que ha participado en televisión van desde buenas, hasta excelente. Hay varias películas en las que ya está enlistado, películas que espero con emoción: The Hobbit: The Desolation of Smaug; The Hobbit: There and Back Again, Twelve Years a Slave, del director Steve McQueen, película donde participarán Brad Pitt, Cumberbatch, Fassbender, Paul Giamatti y ¡hey! Chiwetel Ejiofor. No puedo estar más que desesperada por ver esta película. Si no me equivoco, será la primera colaboración entre Pitt, Cumberbatch y Fassbender. Hay otra película enlistada por la que tengo más curiosidad que ganas de verla, la cual es Star Trek Into Darkness (Star Trek fans, no me odien, sólo soy ignorante). Han hecho buen trabajo incluyendo a Cumberbatch en StarTrek, no sé cómo se dio ese negocio, pero ha sido atinado. . Luego… por ahí del año “aun no se sabe muy bien”, llegará The Man Who Sold The World, en donde será (creo que ya está confirmado, no es un rumor) nada más y nada menos que Julian Assange. Seguramente hay muchos, como yo,  que están complacidos. 

Cumberbatch será uno de esosactores que no olvidaremos con el paso de los años, aquellos que ya amamos el cine, le recordaremos siempre, hasta el fin de nuestros días, hasta el fin del cine, hasta el fin de las historias. Y para los fanáticos de los Beatles, estén atentos. 

To the Ends of the Earth (2005)

 Hawking (2004)

 Van Gogh: Painted with Words (2010)

 Marple: Murder Is Easy (2008)