Future Shorts - Temporada de Verano

[Sigo pendiente con (Charlie Kaufmann y Synechdoche, New York (2008) ]

El pasado 4 de octubre llegó a Santiguo Club Social, en una proyección especial, la Temporada de Verano de Future Shorts, el primer festival emergente a nivel mundial que muestra cortometrajes de todo el mundo en todo el mundo.

Future Shorts es un festival muy noble, permite un enlace fuerte entre países; hay muchos festivales internacionales, pero la mayoría están como base en una ciudad y los cortometrajes y/o largometrajes llegan a ese mismo lugar, o bien, si hablamos de festivales itinerantes, siguen manejándose dentro de un mismo país. Este festival permite que, así como se proyecta la selección de cortometrajes en Egipto, se pueden proyectar en Torreón, o en L.A., o en cualquier otro lugar, así que se habla de un trabajo de curaduría importante; se puede entrar en un viaje desde la animación, pasando por el stop motion, drama, ficción documental y hasta lo experimental, todo reunido en siete cortometrajes; siete historias que, a través de un buen manejo de guión, se han convertido en historias universales. 

Street Vendor Cinema (2011)
Dir. Clarissa Knoll.
Brazil, 15 min.

Un productor de cortometrajes vende producciones al momento en la avenida comercial más ajetreada de Brasil. El resultado es una extraordinaria mezcla de géneros, desde una épica samurai hasta un melodrama familiar, todo surgido de la fantasía popular enmarcada en el caos del mercado.

“El puesto de cine”, le llamo. Este cortometraje logra tocar fibras. Me recuerda esa parte humana que siento perdida; me recuerda que todos tenemos la posibilidad de contar historias; me recuerda que los escritores no son los únicos que tienen la posibilidad de escribir las historias; que los actores no son los únicos que pueden actuar, me hace pensar en el ejercicio de que todo ser humano actúa todos los días de su vida, habrá un papel que le salga mejor que otro, pero siempre y todos los días, actuamos; o bien, siempre y todos los días, dirigimos la historia de nuestra vida. Así pues, la gente en la industria del cine no es más que otro ser humano y este cortometraje es un acercamiento-recordatorio de que no somos más que eso, todos, incluso frente a la cámara, incluso en la batalla contra la página en blanco… así que todos tenemos la posibilidad de mostrar las historias en un producto audio visual como lo es un cortometraje; somos una ventana a un mundo imaginario, aquí la ficción se encuentra dentro de estas diferentes historias, y la parte de documental en el intento de registrar este proyecto de intervención cinematográfica que duró una semana en las calles de Brasil.

We Will Become Oil (2011)
Dir. Mihai Grecu
Rumania, 6 min.

Ganador del Festival de cine en Tampere, Finlandia, este documental experimental se inspira en el derrame petrolero del Golfo de México y describe el efecto del conflicto en espacios geográficos.

 

[Mostraré mi completa debilidad al dejar que la complicidad me lleve a pensar en tener un ciclo de cine completo (después de Future Shorts, por supuesto) de Werner Herzog y la primera proyección

sería Lessons of Darkness (1992). De ahí me dejaría perder en los seis grados de separación entre una película y otra.] Sobre este corto puedo decir que quisiera que algunas cosas fueran sólo ficción.
En este documental experimental se utilizan, precisamente, ciertos elementos que resultan ser los personajes, podríamos tener, en principio, el humo, como uno de los personajes principales, es un humo que envuelve, tres columnas, dos, una, un todo de humo que nos envuelve, pero jamás es envuelto por otro de los personajes principales que es la música. La música aquí, no es un acompañamiento, es un elemento que corre paralelo a las imágenes, la sentimos, y hay que recordar que la música, en el cine, sirve para guiar la historia (no deberíamos darnos cuenta de su existencia); muy pocas veces se utiliza la música como un personaje más. Un personaje clave, además. Entonces, así tenemos ya el humo y sus columnas, la música y, el otro personaje sería el fuego, que baila sobre el agua (con mucha tristeza, por cierto.)
Lo que me parece interesante es por qué el director ha escogido como inspiración el Golfo de México y por qué documental experimental, quizá porque, como él mismo dice “mi trabajo es, primero, sobre la imagen” Qué bonita sentencia. Hay que poner atención al trabajo de este director.

Notes on Biology (2012)
Dir. Will Madden
EUA, 6 min.

Como una animación en stop motion, Notes on biology fue la ganadora de la categoría al Mejor Corto en el SXSW. Este ingenioso corto producido por Ornana Films sigue la imaginación de un estudiante durante la clase de biología.

Una de las preguntas que me hago con este corto es ¿cuál fue la primera pregunta que se hicieron los creadores de este cortometraje para

desarrollar la idea? Acaso fue ¿te acuerdas que te la pasabas dibujando en clase de biología? Notes on Biology es un cortometraje que nos permite entrar en la cabeza de un estudiante, “Mr. Ellis”, y observar el proceso de creación de su propia aventura de acción con un elefantito que brinca de una nota de biología a otra. Y lo interesante es lo que pasa cuando el profesor de biología se da cuenta de que este chico, “Mr. Ellis”, no está poniendo atención.

Guest (2011)
Dir. Ga Eun- Yoon
Corea del Sur, 20 min.

Una adolescente enojada con el amorío de su padre, se escabulle en la casa de la amante sólo para encontrar a sus dos pequeños hijos. Ganador del Premio Internacional del Grand Prix en Clermont-Ferrand, Francia. Guest es un retrato de emociones en esta bellamente actuada historia de transición producido por el Programa de Cine de la Universidad Nacional de Artes de Corea.

Este cortometraje deja claro que cuando todos los elementos que componen una producción audiovisual están en armonía, se tiene como resultado un cortometraje muy placentero y muy muy muy bueno, deja lugar a la imaginación de qué más nos dará este director a lo largo de su carrera. Es de esperarse que con la escuela que ya es el Cine coreano, sumado al programa de la Universidad, se tendrán en un futuro ciclos de cine sobre este director (mujer).

En Guest se nota a simple vista que toda la parte técnica ha sido muy bien cuidada; se nota que hay un equipo de producción bastante amplio, pero no sólo eso, también se puede ver que el director tiene toda la capacidad para dirigir a niños, lo cual indica, repito, esos destellos de un buen director en camino (este corto es el tercero en su carrera.) En esta historia, prácticamente, los niños tienen el control, no sólo por tener los papeles principales, si no, también, por la carga dramática que lleva, por sí sola, esta historia que es, en primer término, universal. La peculiaridad es cómo sostiene ese hilo de gran tensión a lo largo de veinte minutos: nos pone a dudar o temer por el curso de la historia, pareciera que va hacia un camino que podría no gustarnos, y al final, en efecto, sorprende, sin dar ningún tipo concesiones, nos maniente sobre ese hilo de tensión hasta los créditos, porque, aun cuando llega a un fin, la pregunta seguirá siendo “y qué pasará”, es decir, al final de cuentas, qué sabemos sobre el curso de nuestras vidas.

A Morning Stroll (2012)
Dir. Grant Orchard
Reino Unido, 7 min.

Creado por Estudio AKA, multiganador del BAFTA (UK) y la compañía detrás del favorito de Future Shorts Jojo In the stars, Grant Orchard narra en tres actos que abarcan más de 100 años, la historia del encuentro entre un newyorkino y un pollo. Este increíblemente exitoso corto animado ha ganado ya un premio BAFTA, el premio del jurado en el festival de Sundance y f

ue nominado a un Oscar.

Este cortometraje es todo lo que se puede esperar de trabajos que están en festivales como Sundance, o el de Brooklyn; y en premios como los BAFTA, y los Óscar. La historia es sencilla, concreta, directa, con suspenso, con drama, con comedia, con animación, con zombies. Además de un guión concebido, aunque sea de manera muy vaga, del libro True Tales of American Life. Es una gran sorpresa esta animación.

Tumult (2012)
Dir. Johnny Barrington
Reino Unido, 13 min.

Una tribu de guerreros noruegos vaga exhausta por la estéril llanura después de la batalla. Su agonizante jefe está a punto de trasladar el poder a su hijo, cuando un ejército de una clase totalmente distinta desciende sobre ellos.

Otro de los cortometrajes que entró en el camino de Sundance. Una historia bizarra, que lleva una pantalla transparente donde se presenta una ruptura en el tiempo y el espacio. Una sorpresa, realmente. Me deja mucho con el factor en la cabeza “pero qué demonios está pasando”, un guión verdaderamente interesante. 

Fireworks (2011)

Dir. Víctor Hugo Durán
EUA, 11 min.

Al crecer en Los Ángeles, el 4 de julio significa fuegos artificiales. Teniendo como marco el día feriado en el Sur de L.A. Fireworks es una historia de transición a la madurez de dos chicos adolescentes en la tarea de impresionar a un grupo de chicas.

¡Ah!, un corto de Los Ángeles en el festival de cine de L.A. y en Tribeca, el festival de Nueva York. Parece que hay muy poco que decir sobre este director, pero la verdad es que hay mucho que decir. Es un director muy joven, tan solo tiene 27 años y siendo aun estudiante de cine, ya ha estado en festivales importantes, trabajando con producción independiente, pero que han puesto especial cuidado a la edición. En relación a la historia, es universal, sencilla, refleja la inocencia de un grupo de adolescentes que, si bien ya saben diferenciar entre el bien y el mal, poco saben medir las consecuencias de sus actos, todo porque buscan impresionar a unas chicas. Creo que es un buen guión, en ciertos momentos parece que estamos siguiendo un documental sobre fuegos artificiales; se entrelazan tema y subtema en una buena ejecución, así como un interesante tratamiento sobre la dirección y composición.

Pecados y Caprichos

Pecado. Dejar de fumar no ha sido tan sencillo como lo pensaba. “Deja de correr”, dile a un maratonista. Lo hace si su rodilla está sumamente lastimada y su vida depende de ello. Correr no es malo. Fumar, ahora dice todo mundo, que sí. Al gobierno le “sale” muy caro el pueblo que fuma. Pero la nicotina ha tranquilizado por muchos años mi ansiedad. ¿Que antes de fumar no la necesitaba? Cierto. Pero el cuerpo cambia, la mente igual. No es una situación de “costumbre” el fumar, casi puedo asegurar que mi cuerpo lo necesita.

Por fortuna tengo un vicio que no me hace daño (y tampoco me ayuda, dirán): el cine. Comenzó cuando yo tenía alrededor de 8 años. Mi padre nos acostumbró, a mi hermano y a mí, a ver películas los sábados y domingos por la tarde. Una de las películas que más recuerdo fue 2001: Odisea en el espacio. ¿Qué padre, en su sano juicio, deja a sus niños ver esa película? Jamás entendí de qué trataba, pero lo más interesante era el por qué le gustaba tanto a mi padre. Cuando se lo cuestionaba, su respuesta era un análisis que entendía poco menos que a la película, y sus expresiones de admiración por el trabajo de Stanley Kubrick, todavía me resultaban más aterradoras que verlo hacer figuras de yoga, con las cuales, su cuerpo parecía deformarse. Ahora, después de mucho tiempo, entiendo por qué le gustaba tanto y por qué la veía cada que podía. Debo agradecer a él ese primer contacto con el tío Stanley, pero no es 2001: Odisea en el espacio, la película que me causó una "primera impresión". Lo es otra, una sobre marcianos y una cueva y unos niños y… no recuerdo su nombre. Por mucho tiempo la tuvimos en casa, estaba dentro su estuche muy bien guardada en formato Beta. ¡Ah, qué lindos tiempos!, recuerdo que teníamos un aparato que regresaba la cinta de las películas. Aquello era muy emocionante porque eran minutos de espera  para que la película estuviera de nuevo en el inicio... En fin.   

No soy cinéfilo y no soy adicto al cine, sólo me gusta mucho. Dice Tarantino que hay dos tipos de cinéfilos: aquél al que le gustan las películas que le gustan, y aquél al que le gusta el cine. Yo soy del primer tipo: me gusta el “cine” que me gusta y, dentro de lo que me llamó mucho la atención en el 2011, fueron las películas que se presentaron en el Festival de Cannes, pero sólo he podido ver tres: 

La Piel QueHabito / The Skin I Live In (2011) – Pedro Almodóvar

Desde que su mujer murió quemada en un accidente de coche, el Dr. Robert Ledgard (Antonio Banderas), eminente cirujano plástico, se interesa por la creación de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla. Doce años después consigue cultivarla en su laboratorio, aprovechando los avances de la terapia celular. Para ello no dudará en traspasar una puerta hasta ahora terminantemente vedada: la transgénesis con seres humanos. Pero ese no será el único crimen que cometerá...

El trailer o avance cinematográfico busca sólo una cosa (perdón por el lugar común): el amor a primera vista con el espectador. A este amor se le conoce también como “llamar la atención del espectador” o “atraer al espectador”. He creado una regla[i] para no caer ante los coqueteos de un avance cinematográfico: “Si el trailer es lo suficientemente atractivo, la película puede no ser muy buena; pero si el trailer es lo suficientemente no atractivo, la película puede ser bastante buena” Por atractivo pienso en explosivo, conmovedor; por no atractivo pienso en cortes sin sentido. La mayoría de las veces la frase “es demasiado bueno para ser verdad” -que suena prejuicioso, lo sé-, funciona. El trailer es algo que deberíamos omitir.

 

El avance oficial de La Piel Que Habito dura 2:12 mins. A cada tanto se muestra un “texto en pantalla negra” describiendo la fortuna de los personajes. Este avance no fue del todo bien recibido por el público en general. Hubo un avance de 1:03 mins. que me encantó, pues daba referencias de diversos estilos, un ritmo y personajes que tenían todo para desarrollar un buen thriller psicológico. Pero fui engañada, o me engañé solita. Pensé en la frase “Una película de Pedro Almodóvar” y dije “me gustará” porque Almodóvar es Almodóvar. ¿Qué clase de estupidez es esa de mi parte? Claro que me gustó, más hay un enorme PERO y es (otra frase trillada) que “en gustos se rompen géneros”, por ello me he quedado con esa sensación maldita de que algo faltó. La introducción es muy buena, deja claro el ritmo de la película y hay secuencias que me parecen geniales. Sobre qué faltó, pienso que, a la historia, no podía faltarle nada. Es una buena historia, es una historia que me invita a leer un libro. El libro Tarántula, la novela en la cual está inspirada esta película. Por lo que sé, la novela es más "retorcida" (no por "compleja", si no por retorcida).

La película tiene elementos de fotografía y música que le dieron mucho poder, aun con esto, la historia no me iba sorprendiendo, no me decía gran cosa más allá de lo que ya sabía o podía ir imaginando. Me dejó embelesada con los coqueteos al ojo que daba la decoración; me encantaron los detalles y prevaleció el estilo ya característico de Almodóvar con su pasión por los colores en contraste, el baile, las canciones... ¿y la cuestión erótica? Parecía que pudo haber sido más explícito e incluso allí se quedó corto. A mi gusto, eran muchos elementos con los que sentí que necesitaba más, lo que me ocasionó frustración.

¿Es, acaso, que sólo se cuenta una historia y no se busca hacer un análisis en algún tema en específico? Pero los temas estaban ahí para ser explotados; la psicología de los personajes pudo haber sido mejor trabajada para que llegara a ser un thirller psicológico; pensé que la película se salvaría con la justificación del Síndrome de Estocolmo. Terminó como (no habrá spoiler) una novela, no literaria, aclaro. Hubo un momento en que pensé en mi querido Tarantino (por la escena de la motocicleta en carretera), o en Hitchcock. También tuve sueños húmedos, en instantes, con David Lynch, pensando en que éste pudo haber dirigido la película y habría sido muy enferma y muy muy buena.

He escuchado y leído críticas en donde todos están de acuerdo en que Almodóvar ha manejado y mezclado estilos y elementos a la perfección como el horror y la perversión, pero insisto, me quedé con ganas de más. Es decir, ¿dónde está la perversión?, ¿dónde está el horror? No me la creo en los personajes. Spoiler: Hay una parte en la que creo en el horror que puede sentir el personaje y aparece muy poco. Hablo de la hija del Doctor Robert, cuando ella está bajo el árbol. Por otro lado, pienso que la mayoría de los hombres puede sentir “horror” al imaginarse en la posición de un personaje central en la trama. Pero no soy hombre, por lo tanto, no me parece horror, me parece más que merecido lo que le sucede al personaje. ¿Que el Doctor Robert estaba trastornado y lo llevó al límite? Sí y eso lo entiendo, pero no me lo creo.

Hubo momentos, dentro de la sala de cine, en los que la gente estaba, en serio, horrorizada, y yo no sentía nada. No necesito que sea gráfico. Creo que el problema se centra en que tengo un grado de perversidad algo elevado y necesito más, mucho más para sentir horror y perversión. ¿Habrá sido que las actuaciones no me convencieron tampoco? Qué puedo decir, Antonio Banderas parecía sólo un modelo porque su vestuario es muy afortunado, pero ese vestuario opacó la esencia del personaje, cuando debió enfatizar su psyche. Para mí, en esta ocasión, hubo mucho enfoque en lo estético y hubo muchas referencias, mas no está en tela de juicio el gran estilo de Pedro Almodóvar.

Capricho. El asiento tiene pegamento

 

The Tree ofLife / El árbol de la vida (2011) – Terrence Malick

Con The Tree of Life llegué a la función de la 1:40 p.m., por ser la primera función y día 12 de diciembre, fue muy normal ver que sólo fuimos tres personas dentro de la sala. Los otros dos eran un padre y su hijo. Para las 2:30 p.m. había quedado sola. No sé cómo se habrá comportado la audiencia en las demás funciones. Pero tuvo corta vida en catálogo, creo que sólo fue una semana en cartelera. Quiero pensar que la audiencia inclinada por el "no me gusta" es sólo porque no estaban preparados para una película como ésta. ¿Y cómo nos preparamos para una película así? Viendo más películas. Creo que el público está acostumbrado a que le cuenten historias de todo tipo y con narrativas poco usuales. Pero aun no está acostumbrado a un estilo de dirección experimental.
Cuenta la historia que así sucedió con 2001: A Space Odissey. Según los hechos, las salas se quedaban solas y gran parte del público no entendía exactamente qué sucedía con la historia; los críticos fueron duros, y el espectador la odio o la amó, no hubo partes neutrales. Pero ha sido el paso del tiempo, como siempre, la mejor cura para dicha película, dándole el lugar que merecía y que ha merecido. Siempre me pregunté qué habrá sentido el espectador de 2001: A Space Odyssey al estar allí sentado viendo esa película por primera vez. Ahora, The Tree of Life (además de hacerme sentir muy "pequeña" en este mundo), me ha acercado a una experiencia similar.

La sinopsis dice lo siguiente: 

“The story centers around a family with three boys in the 1950s. The eldest son witnesses the loss of innocence” - “La película está ambientada en los años 50 y narra la historia de una familia estadounidense, centrándose en la evolución de su hijo mayor”

 

Cuando miré el trailer sólo pude ver que el ritmo parecía bueno, algo lento; la música muy interesante; las actuaciones de Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain y los niños, son muy buenas; hay escenas cotidianas que juegan con la memoria; la dirección me pareció muy acertada; la fotografía de Emmanuel Lubezki excelente. Dicho todo esto, sólo hablamos de primeras impresiones. Para esta película, lo mejor que pude hacer fue entrar a ciegas y dejarme llevar por la historia que, posiblemente, me sorprendería. Y así fue, si hay que decirlo de una forma, The Tree of Life es un poema a la vida (o sobre la vida). 

Cierto es que puede demandar paciencia y tolerancia por parte del público que está acostumbrado a lo “mainstream”, es decir, películas comerciales, hollywoodenses. Sin embargo, NO requiere un espectador conocedor, no está dirigida sólo a cinéfilos. Por el contrario, está pensada para llegar a todo público a través de las imágenes, de la música. El espectador entra vacío (ciego) y sale lleno (iluminado). Este es un ejercicio en el que Terrence Malick intenta comunicarse con nosotros, de llegarnos hasta el último poro, pero no busca ser, ni es conmovedor. A pesar de tanta belleza, sigue retando al espectador con su estilo. Tiene puntos de vista tan afortunados de edificios que, aun en movimientos constantes, nos hace sentir que estamos ahí, de pie, observando cómo rueda el mundo, mientras una presencia que eriza la piel, te hace recordar cómo rodó el mundo atrás tiempo.

Hay tres movimientos en la vida que son muy bien representados a lo largo de toda la película, por lo que sobra decir que es un trabajo que de ser abordado en otra etapa (o en otro movimiento), podremos recibirle, si bien ya no a ciegas, sí dándole otra lectura, sin perder de vista el planteamiento principal de que “hay dos caminos en esta vida: el camino de la naturaleza, o el de la gracia”. La guía al mundo por medio del padre o por medio de la madre. Es una película que (sin ser spoiler) dice: “algún día caeremos y lloraremos… y lo entenderemos todo”, sentenciándola a prolongarse hasta el final de nuestros días o hasta el final o la infinitud del mundo. Es un trabajo transparente, que no busca pretensiones en estilo, o referencias a nada, es una sinfonía; ustedes eligen cuál y cómo la viven.

No puedo decir más, análisis sobre esta película se harán muchos. Dejo como recomendación el que si deciden verla, lo hagan de principio a fin. Ya no está en salas comerciales, por lo tanto, ya no existe (y no debería existir) la posibilidad de abandonar la sala. Piénsenlo así: si la llevan a casa, será porque, a pesar de todo pronóstico, despertó cierto interés en sus mentes, por lo tanto, tendrán que verla completa y sin interrupciones. Es molesto cuando la gente se sale de la sala porque simplemente la película no es lo que esperaba. Si compras un libro y no te gusta, no lo tiras a la basura, quizá lo regales… regala ese tiempo a la película que hayas decidido ver, aunque no sea de tu agrado inmediato.

Sí, la película sí es muy buena.

Siguiente película: Sleeping Beauty (2011) Julia Leigh

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[i] Ésta puede funcionar sólo para mí.